Накипело. Или почему меня бесит сравнение портретов с живой натурой.

На днях я побывала на выставке учебных работ моих хороших знакомых, на которой представлялись как натюрморты и пейзажи, так и портреты. Среди восторженной публики, которая мало что понимает в живописи как таковой и в искусстве в целом, так и слышались комментарии по типу «А похож!» или «Интересно, почему у натуры хорошо прорисовано тело, но совершенно не прорисовано лицо?!» И как-то мне стало немного противно от таких комментариев, пусть даже это были и не мои работы.

Объясню почему.

Во-первых, живопись на то и живопись, чтобы ЖИВО ПИСАТЬ. Любая натура для художника служит лишь неким прототипом для создания конкретной задумки. Если художник пишет чей-то портрет, то разумеется он будет похожим! Потому что на обучение этому ушло несколько лет и десятки, а может и сотни ученических работ! Художник не стремится к 100% копированию. Художник в своей работе цветом и пятном хочет что-то донести до зрителя. И уж поверьте, это что-то гораздо глубже и сложнее, чем просто похожесть-непохожесть. Вы ещё фотоаппарату скажите, что он снимает похоже. Хотя он как раз таки и врёт. Как минимум съедает половину теней и нюансов живых красок.

Во-вторых, для излюбленной многими “похожести” существует отдельный жанр — портрета. И это, на мой взгляд, самый сложный жанр из всех существующих. Многие великие шли к такой “похожести” годами. Портреты Веласкеса, которыми все восторгаются, датируются после 1630 годов, когда Веласкесу уже было за 40. А Шагал, Модильяни, Лотрек или Шиле, например, вообще не особо парились на тему похожести. Но они и не были портретистами.

В-третьих, чтобы вы понимали, даже рисуя похожий портрет, художник всё равно выбирает отдельную часть лица, которую будет делать максимально похожей. Как правило это что-то запоминающееся, на что хочется обратить особое внимание и показать красоту. Будь то разрез глаз (кстати, немаловажная часть в портрете), или живописный нос с горбинкой, или слишком тонкие и непропорциональные губы… Используя определённые навыки и средства выразительности (будь то линия, штрих или цвет), художник выделяет главное. Остальное, как правило, остаётся незаконченным, недосказанным. Это элементарное средство выразительности, чтобы человек, ничего не понимающий в искусстве мог бы посмотреть на работу и подумать “Как же красиво! Как цепляет взгляд!” (или нос, или губы — нужное подчеркнуть).

Дыхание утра

Я сейчас не говорю об учебном процессе, когда преподаватель стоит над душой и периодически поправляет ученика, чтобы он смог поймать натуру и гнался бы за похожестью. Учебный процесс — это другое. Публику мало интересуют монотонные академические работы, которые в одном и том же месте исправлены 100500 раз. Публику больше цепляет цвет, контраст, некая экспрессия.

Если художник решился на выставку, значит, он уже прошёл изрядный кусок тернистого пути, понаделав кучу ошибок. Художник решил обнажить свою душу, показать свои первые шаги на пути к прекрасному, чтобы поделиться с миром своим видением. И это видение порой гораздо шире, красочнее и выразительнее, чем просто “а похож”. Художники не копируют. Художники создают.

Поэтому, в следующий раз, когда будете лицезреть чью-то работу, пожалуйста, задумайтесь. Может быть не столько о том, что хотел донести до вас автор, сколько о том, чем именно ВАС зацепила (или не зацепила) та или иная работа. Возможно, что вам с живописью и искусством совсем не по пути. И комментарии по типу “А похож!” или “Почему не прорисованы руки?” звучат по меньшей мере невежественно. И, как мне кажется, очень сильно выдают вашу далёкость от прекрасного.

Добавить комментарий

Этот сайт использует Akismet для борьбы со спамом. Узнайте как обрабатываются ваши данные комментариев.

This post doesn't have any comment. Be the first one!

hide comments
...

This is a unique website which will require a more modern browser to work!

Please upgrade today!